Flowers In December, Mazzy Star (1996)

No todo es Fade Into You o Into Dust (ojo, que obviamente también me encantan)

Porque aquí está una pequeña joya, quizás desconocida para muchos que no llegaron a escuchar más que las otras dos canciones mencionadas, una historia de arrepentimiento que describe cómo alguien puede "cegarse", pensar solo en sí mismo, sin tener en cuenta que habría podido recibir el amor de la persona que tanto le quería, y a la que solo ha conseguido herir, si no hubiera sido por el egoísmo o el miedo a comprometerse o a hacer daño.

El violín y la armónica hacen de esta canción algo único. Además, me encanta la estética gótica y victoriana del vídeo, evocando imágenes ensoñadoras.

Pero la calidad es que sea muy buena, por eso...

https://www.youtube.com/watch?v=QSM58Kf8AS8

https://www.youtube.com/watch?v=Pg0CDxhJd78

...también os dejo una preciosa y admirable versión en directo.

Y es que si algo es capaz de hacer Hope y David es de sonar tan bien (o incluso mejor) en directo. Algo que, por desgracia, pocos pueden decir.

They say every man goes blind in his heart...

And they say everybody steals somebody's heart away...

Simplemente perfecta.

Todo oscuro, sin estrellas, de Stephen King

Todo oscuro, sin estrellas sigue la línea de Las cuatro después de la medianoche o Todo es eventual, esas colecciones con las que King nos ha malcriado a lo largo de los años. Pequeñas y relucientes joyas rebosantes de una vertiginosa tensión. 

Muchas no tendrían nada que envidiar a algunas de sus novelas, (la extensión de un libro es irrelevante, importando la calidad, "la narración" en sí misma, ya que la cantidad de páginas sólo es un número, aunque a muchos todavía no les entre en la cabeza) las cuales, admitámoslo: King es humano y nos ha colado bodrios como quien no quiere la cosa.

Sin embargo, este libro es aceptable y correcto y su la lectura agradable e incluso amena, no sólo por el léxico y la forma mundana y cercana con la que King relata, sino porque la angustia, elevada con una fina dosis de humor sarcástico y un tanto grosero (muy propio viniendo de él también) no deja lugar al aburrimiento en ningún momento. 

Comienzo según el orden de preferencia:

1922, el auténtico diamante de este libro. Una impecable y deliciosa descripción de demencia, de cómo la culpa y el horror crean un absoluto (y perfecto, en términos narrativos) caos. 

Hace meses que leí Todo oscuro, sin estrellas y reconozco que el final de esta primera historia, desgarrador e inesperado, me sigue fascinando (y aterrorizando) a día de hoy. De los mejores que he leído. No sólo de King, sino de la literatura de terror en términos generales.

Una extensión justa y la serie de infortunios mezclados con hechos verídicos de una cronología elegida por el autor no tiene precio. 

Toda mención a la cotidianidad en un libro me encanta, por eso la referencia a Kiefer Sutherland (entre otras muchas, pero esa especialmente) me sorprendió a bien, haciéndome incluso reír. 

Quizás el final simplón me decepcionó un poco, dejándome un sabor agridulce. Aún así no deja de ser un desenlace justo...

Un buen matrimonio es quizás la más conocida de las cuatro, supongo que debido a su adaptación a la gran pantalla (protagonizada por Anthony LaPaglia, el actor de Sin rastro). 

Y es precisamente la conducta del personaje masculino la que me encanta, la descripción de su turbia personalidad. 

Quizás el colofón es otro tropiezo del señor King, pero el resto del relato es una primacía más que notoria.

Camionero grande es totalmente sórdido. Debo reconocer que en alguna que otra ocasión tuve que cerrar el libro y dejar de leer, al menos durante unos segundos. Su crudeza e insensibilidad revuelve el estómago. 

Si bien la naturaleza de la narración es cruel, visceral y sobre todo realista (algo vital y de agradecer), la fuerza de estos relatos no es equiparable al poder narrativo y el impacto mundial (con mucho apoyo cinematográfico) de ejemplos como El Cuerpo o Rita Hayworth y la redención de Shawshank.

A pesar de pequeños fallos es un ejemplar grato y atrayente, que no defrauda si estás familiarizado con King y si su manera de escribir no te desagrada, y que no debe faltar en la colección de ningún admirador de este autor.

Días de vino y rosas (1962)

Joe Clay conoce a Kirsten Arnesen en una fiesta. Son totalmente opuestos. Él derrocha simpatía y experiencia como jefe de relaciones públicas de una empresa de San Francisco. Ella, por el contrario, tiene una visión demasiado idealizada de la vida, y se muestra precavida ante Clay debido a su desmesurada afición a la bebida. Sin embargo, Kirsten acaba casándose con el y sucumbiendo a la misma adicción, acompañando a su marido y compartiendo el terrible descenso a los infiernos.

Una de las mejores interpretaciones (si no la mejor) de Lemmon junto con una jovencísima Lee Remick (siempre tan subestimada), acompañados de una hermosa banda sonora, conforman una unión intensa, agónica, marcando así el antes y el después del paraíso trastocado en una de las películas más funestas (e incluso tétricas) que el cine nos ha regalado en relación a las adicciones. 
Para su época fue todo un impacto la naturaleza con la que se expresa la desesperación. La manera realista con la que se muestra el alcoholismo no solo como enfermedad maligna, sino como una que únicamente puede ser remediada por uno mismo, por su propia voluntad, y la certeza de que hay personas que carecen de dicho poder para acabar con ella.
Ganadora del Oscar a la Mejor Canción Original, del Fotogramas de Plata y del Premio de San Sebastián para sus intérpretes, es uno de los dramas más viscerales y crudos sobre el alcoholismo.  

Spoilers, spoilers, ¡SPOILERS!

La angustia por una botella entre las macetas, la escena del psiquiátrico y la secuencia final, Lemmon mirando a través de la ventana la luz intermitente del bar de enfrente, tentándole. 
Francas y escalofriantes.

No, Tahúres Zurdos (1992)

Aurora Beltrán no sólo es una de las mejores voces (si no la mejor) de éste país. Es una excelente compositora. Gran ejemplo de ello es "No", una canción tan dulce como desgarradora.

La letra representa la "fortaleza" de una persona (esa que al parecer tan fría y resistente nada le afecta porque enseguida "supera" todo) resultando la excusa perfecta para el que se proclama a sí mismo "más débil".

Una sentimental mezcla de firmeza y fragilidad.

Me quedé con las ganas de escuchar más temas AOR  como éste de Tahúres.

Me quedo con su intenso final: Hasta a las lágrimas se les saca partido. Por eso escribo canciones de roto amor.

https://www.youtube.com/watch?v=_Qqi6d3qfA8

Forsaken (2015)

Intentando abandonar el pasado que le persigue, John Henry regresa a su casa con la esperanza de recuperar el perdón y el consuelo en las palabras de su padre, quien no ha sabido de él en una década. Sin embargo, sus intenciones se truncan cuando observa cómo la banda criminal aterroriza al pueblo, sintiendo que él es el único que puede detenerles.

Recomendable, pues me llevé una grata sorpresa a pesar de mis bajas expectativas. Si bien no se convertirá en un clásico del género, ver (al fin) a padre e hijo Sutherland compartiendo pantalla, merece la pena. Pensé que el pez grande se comería al chico, pero aquí el chico lo hace bastante bien. Sin superar a su padre, Kiefer está a la altura, y construye junto a él emotivas escenas que reflejan con una envidiable naturalidad el respeto y el cariño que profesan el uno por el otro. De hecho, al no ser muy apasionada del western, tengo que reconocer que fue el reparto lo que llamó mi atención.

https://www.youtube.com/watch?v=zO8xbYx6tco

Desconocida y menor, pero entretenida y correcta para pasar el rato. Malos malísimos, malos condenados que intentan liberarse de sí mismos para ser buenos, y el entrañable espíritu del Viejo Oeste con duelo final (¡cómo no!) incluido. 

Ya no se hacen muchas películas con una atmósfera tan nostálgica y honesta cómo ésta. 

Indignación, de Philip Roth

Marcus Messner es un estudiante que, admirado por todo lo que empieza a conocer gracias a sus estudios, decide huir del negocio familiar en el barrio judío en el que ha crecido y de la repentina e irracional sobreprotección de su progenitor. Fuera, en ese nuevo mundo, conocerá a una chica tan seductora cómo problemática y se topará con la naturaleza de su propio carácter, bastante rebelde, enfrentándole a las opiniones morales, sociales y sexuales de las personas que comparten escenario con él.

Los dos aspectos en los que se centra la historia (la definición de un lazo familiar, otrora tierno y aparentemente imposible de romper, cada vez más resquebrajado en el momento de la acción y la tragedia) me fascinaron:

La relación paternofilial, basada en un miedo (no tan) irracional de un humilde trabajador por su único y brillante hijo, es tan intensa cómo emotiva, consiguiendo que los puntos de vista de ambos personajes sean totalmente entendibles y sobre todo (y muy importante) naturales y creíbles.

La filosofía con la que se retrata la muerte resulta y la original y trágica descripción del "más allá" crea un efecto abrumador en la mente del lector.

Éste libro captó mi atención desde el momento en que leí de qué trataba. Me decidí a leerlo cuándo supe que iban a hacer la película (siempre intento leer el libro antes de ver la peli, por muchas ganas que tenga de verla o aunque mis expectativas sobre ésta sean altas).

Protagonizada por Logan Lerman, que lenta pero apropiadamente está consiguiendo huir de la odiosa sombra de Percy Jackson, y cuyo mejor papel hasta ahora ha sido el de Corazones de Acero (2014), aquí tiene que lidiar con el rol protagonista. Y dicen que no lo hace nada mal. De hecho, él mismo ha comentado que ha sido un reto y un auténtico honor a la par.

Volviendo a la novela y ya en resumen, Indignación es una lectura sencilla, cercana muy ligera y entretenida de principio a fin.

Pánico en Needle Park (1971)

Dirigida por Jerry Schatzberg y protagonizada Al Pacino y Kitty Winn, es una adaptación del libro homónimo de James Mills, escrito en 1966. The Panic in Needle Park refleja la historia de amor entre Bobby y Helen, quienes se convierten en dos heroinómanos en "el parque de la aguja", el apodo de Sherman Square, en el Upper West Side de Manhattan. Sus vidas van cuesta abajo a medida que sus adicciones empeoran, apareciendo las traiciones y el miedo mutuo a ser abandonado.

No hay música en la película, con tal de crear una atmósfera de tristeza lo más realista posible.

Grabada al más puro estilo cinéma vérité, puede parecer que forma parte de un documental y hacerse algo tediosa, dependiendo del espectador.

Hablaron con Jim Morrison para el papel de Bobby mientras éste grababa Waiting for the Sun. Finalmente, se decantaron por Pacino.

Kitty Winn ganó en Cannes. A muchos no os sonará, pero en realidad muchos la conocemos por su papel secundario como la tía de Regan en El Exorcista (1973) "Aaaah, ahora ya sé quién es."

El propio Al ha calificado varias veces a su segunda película (antecesora de El Padrino) como una de las preferidas de toda su carrera.

Lejos de ser un clásico, aún así es interesante, sobrecogedora y ya digna de ver sólo por las actuaciones de los protagonistas. Cuando la vi (hace cinco años) me permitió ver algo totalmente diferente y desconocido a todo lo que le vendría después a Al Pacino. 

Porque no todo en ésta vida son los Corleone...

Aquí os dejo el tráiler original (está en inglés)

https://www.youtube.com/watch?v=UrSQnL7fCXg

Tiene imágenes imborrables...

*¡CUIDADO, SPOILERS! Quédate aquí si no quieres arruinarte lo mejor de la película.*

Un largo (demasiado) primer plano de una inyección, mientras se oyen de fondo las voces de los protagonistas planeando un futuro y prometiéndose estar juntos pase lo que pase. Duro y escalofriante.

La sobredosis de Bobby con un bebé de por medio en una cama. ¿Alguien dijo Trainspotting?

Bobby y Helen pasan un día en el campo creyendo que así se alejarán por un día de sus adicciones. La feliz estabilidad culmina con un perro comprado y ahogado en el mismo día.

La escena final. Ella espera a Bobby la salida de la cárcel, donde ha estado meses por su culpa. Al principio intenta ignorarla, pero es incapaz. Triste (al fin y al cabo y a pesar de las traiciones, no pueden vivir el uno sin el otro) y sencilla, pero hermosa.

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*FIN DE LOS SPOILERS*

Ariel, October Project (1993)

October Project es un grupo pop/rock de Nueva York. Con el debut homónimo en 1993 y Falling Farther In en 1995 (aceptable, pero incapaz de superar la esencia melancólica y "oscura" que les definía con el primero), consiguieron los elogios de la crítica. Sigue en activo desde 2010, (han llegado a disolverse hasta en dos ocasiones: 1991-1996, 2001-2006) pero desde el 96 no cuentan con Mary Fahl, quien fuera la insuperable voz que aportaba la magia a las canciones. 

Siempre pensé que ésta historia era la despedida de un padre y una hija, pues desconocía que Ariel era un nombre masculino (significa "León de Dios" en hebreo), aunque se haya extendido también como nombre femenino.

El piano inicia el problema de Ariel. A los 25" aparecen los instrumentos de cuerda que junto con la batería aportan la fuerza dramática a la historia.

El protagonista se siente esclavo de la tristeza de quien le impide marcharse. Quiere a esa persona, pero esa persona es todo lo que él conoce. Y él quiere conocer más. Quiere salir al mundo. Aún así teme irse. Pero teme aún más quedarse, así que reclama ser perdonado por desear ser libre.

A lo último pide que el viento y el agua del mar borren cientos de recuerdos, sus pisadas, sus manos despidiéndose. Les borren a ellos, como si fueran arena. 

Let the wind and ocean water 

Wash across your hands 
Wash away a thousand memories 
Wash us all away 

Like sand 

La parte más intensa y, junto con el contraste del delicado y sencillo final, mi favorita.

                                         

Ariel concluye la canción repitiendo su nombre. En algunas culturas, (incluida el Judaísmo, cómo se supone qué es en éste caso) el nombre es sagrado. Debido a eso al final insiste tanto en él. Y es que, al fin y al cabo, será su identidad lo que quede y lo que le definirá cuando construya una nueva vida por sí mismo, sea donde sea.

Disfrutad :)

Descubrí a October Project con "Wall of Silence" hace unos siete años, una de las más conocidas junto con los singles "Return To Me" (mi segunda canción preferida de ellos) y "Bury My Lovely". Pero considero a "Ariel" la joya de éste grupo.

Mary Fahl posee una de las voces más sorprendentes que he escuchado. Sin embargo, ella es un ejemplo más de la historia que siempre se repite: es excepcional y al mismo tiempo, infravalorada.

Cabe destacar una curiosa anécdota. En un principio los medios la calificaron como "una diosa del rock gótico, admirada incluso por los seguidores de lo vampírico". Ella afirmó que se malinterpretó su imagen con la teoría de que "por aquel entonces no tenía dinero más que para sencillos vestidos negros". Licenciada en Literatura Medieval, pasó un tiempo en Europa junto a su hermana, formándose musicalmente y cantando en cafés. A los 57 años sigue su carrera en solitario y desde el 2003 también actúa en teatro. En 2011 publicó el interesante From the Dark Side of the Moon, una revisión del clásico de Pink Floyd. Y es que ella misma ha afirmado que creció influenciada por el mencionado grupo y Bob Dylan por parte de sus hermanos, y Nico, Joni Mitchell y Dusty Springfield gracias a sus hermanas.

Aquí os dejo la canción en directo. La puesta en escena se pierde al sustituir los violines por tanto sintetizador y al abusar de la percusión. Sin embargo, es la poderosa voz de Fahl lo que consigue mantener la magia que reside en "Ariel".

https://www.youtube.com/watch?v=i5VkZTBIv0w